Crearea scenariilor este o modalitate excelentă de a vă planifica filmul și de a crea o viziune clară pentru fiecare scenă și este foarte ușor să începeți! Am creat un ghid care să vă ghideze prin tot ceea ce trebuie să știți despre desenarea propriilor scenarii ca un profesionist. Consultați pașii de mai jos pentru a afla cum să creați un șablon de storyboard, să veniți cu fotografii interesante și să completați storyboard-urile cu desene, dialog și orice notă importantă pe care o aveți.
Pași
Metoda 1 din 3: Storyboarding o scenă
Pasul 1. Completați scenariul înainte de a începe pe scenarii
Dacă scenariul este un șablon pentru modul în care va suna un film, un storyboard este șablonul pentru cum arată. Storyboard-urile sunt modul în care vizualizați modul în care actorii, recuzita, fundalurile și unghiurile camerei se vor potrivi împreună în orice anumită scenă sau secvență de fotografii. Este șansa ta de a vizualiza filmul înainte ca camerele scumpe, actorii și echipajele să aștepte pe platou.
Acestea fiind spuse, una dintre sarcinile unui storyboarder este să preia scenariul și să-l îmbunătățească prin adăugarea de imagini. Trebuie să cunoașteți întregul arc al poveștii înainte de a începe
Pasul 2. Desenați pătrate pentru fiecare scenă, lăsând loc dedesubt
După ce ați scris scenariul și ați avut o idee despre ce se va întâmpla în filmul dvs., luați-vă niște hârtie sau afiș pentru a vă asambla scenariul. Ca o bandă desenată, fiecare pătrat reprezintă o fotografie sau o scenă, iar spațiul de dedesubt este locul în care completați dialogul, notele sau acțiunea.
În timp ce vă puteți desena propriile plăci, există multe șabloane gratuite online pe care le puteți imprima pentru a începe schițarea imediată
Pasul 3. Stabiliți locația și orice obiecte importante, în prima casetă a scenei
Cea mai importantă funcție a storyboard-ului este de a arăta cum va arăta fotografia. Pentru prima dvs. placă, veți dori toate detaliile esențiale, astfel încât oamenii care o citesc să știe unde sunt. Când vă întrebați ce să includeți, puneți întotdeauna întrebarea: "este esențial acest lucru pentru a înțelege scena?"
- De fiecare dată când schimbați locațiile, trebuie să desenați într-un fundal nou. Amintiți-vă, spuneți povestea vizual. Încercați să vă imaginați ce ar trebui să vedeți dacă acesta ar fi un film.
- Dacă fundalul nu se schimbă între fotografii, îl puteți lăsa necompletat și vă puteți concentra asupra acțiunii.
Pasul 4. Folosiți săgețile și notele pentru a arăta orice mișcare sau modificare
De exemplu, dacă doriți ca un personaj să-l lovească pe un altul, nu este nevoie să-i desenați cinci cadre din pumn, deplasându-se încet spre o față. În schimb, desenați un cadru al pumnului cu o săgeată care indică mișcarea.
De asemenea, puteți utiliza săgeți pentru a indica mișcările camerei, cum ar fi tigaile sau înclinările
Pasul 5. Completați dialogul și sunetele scenei sub desen
Amintiți-vă, practic realizați o versiune de benzi desenate a filmului, așa că ar trebui să adăugați și efecte sonore esențiale. Nu vă faceți griji dacă nu se potrivește cu totul - doar dați semnelor regizorului și echipei despre locul în care sunetul este asortat, astfel încât elipsele („…”) vă pot ajuta.
Pasul 6. Realizați un cadru nou pentru fiecare acțiune semnificativă sau mișcare a camerei
Ori de câte ori se întâmplă ceva, are nevoie de propria cutie. Dacă trageți o conversație, veți dori să treceți de la un personaj la altul în timp ce vorbesc, precum și câteva fotografii ale amândurora în același timp. Trebuie să desenați fiecare dintre aceste schimbări individual.
Nu puteți desena doar 1-2 casete și să spuneți „fotografii alternative” pentru o conversație. Imaginați-vă o scenă în care o mamă este supărată pe fiul ei pentru că a spart o lampă. Arătarea întregului lucru de la fiul trist sau speriat este o scenă foarte diferită de a arăta mamei furioase tot timpul, tăierea înainte și înapoi sau prezentarea lămpii sparte
Pasul 7. Completați note esențiale despre mișcare, sunete sau efecte speciale
Dacă o scenă necesită un pic de sânge fals, notează-l fie folosind un stilou roșu, fie notându-l. Dacă împușcătura necesită o preluare lungă și continuă, utilizați săgeți pentru a indica modul în care se scurge toate împreună. Deși există termeni corespunzători pentru toate acestea, cel mai important lucru este să spui vizual povestea oricât poți. Dacă are sens ca ghid pentru filmare, introduceți-l.
Dacă camera nu taie, dar se întâmplă o mulțime de lucruri, puteți folosi mai multe cutii pentru o „tăiere”. Ori de câte ori se întâmplă ceva, aveți nevoie de o cutie nouă, chiar dacă camera nu se mișcă
Metoda 2 din 3: Îmbunătățirea scenariilor
Pasul 1. Găsiți modalități de a exprima vizual temele scenariului
Nu lăsați scenariul „să vorbească de la sine;” Cele mai bune filme sunt corelate tematic la toate nivelurile: scriere, storyboarding, efecte sonore, actorie etc. Este treaba ta să iei un scenariu bun și să-l transformi în imagini grozave. În fiecare scenă, întrebați-vă care este scopul scenei, care este starea de spirit sau tonul și care sunt cele mai importante recuzită, personaje sau momente. Cum poți atrage atenția asupra acestor lucruri?
- Găsiți cel mai crucial element al scenei și găsiți o modalitate de a atrage atenția publicului asupra acesteia în fiecare fotografie, mărind-o, centrând-o, mărind-o etc.
- Gene Wilder nu era un storyboarder, dar credea ca un comediant vizual. În Willy Wonka, faimosul intro în care „accidental” călătorește, cade și se rostogolește în aplauze grele, a fost creat de el ca o modalitate de a-l descrie pe Wonka ca fiind distractiv, ciudat și ascuns în spatele unei fațade comice.
Pasul 2. Evitați compozițiile plate, bidimensionale, înclinând întotdeauna camera
Ceea ce nu doriți este o podea complet plană, în care camera să fie în unghi drept față de sol. Înclinarea ușoară a fotografiei oferă scenariului dvs. trei dimensiuni, chiar dacă este doar o ușoară schimbare. Fotografiile directe nu sunt aproape niciodată atât de interesante ca și compozițiile 3D dinamice.
- Folosiți și primul plan și fundalul în avantajul dvs. - nu puneți fiecare caracter sau lucru pe aceeași linie de adâncime.
- Nu uitați nici de fundalul îndepărtat - este un loc bun pentru a crea profunzime.
- Desigur, există o mulțime de motive pentru a încălca această regulă, cum ar fi crearea unei fotografii perfect simetrice. Știi doar de ce încalci regula înainte să o faci.
Pasul 3. Oferiți motivație pentru a tăia camera în loc să schimbați doar fotografia
De obicei, acest lucru este evident - dacă un alt personaj vorbește, trebuie să tăiați pentru a le arăta. Dacă cineva aude un zgomot în spatele lor, vă reduceți locația din care provine zgomotul. Toate tăieturile bune trebuie să aibă un motiv să apară - indiferent dacă este vorba de complot, personaje, atenție schimbătoare sau o alegere pur artistică.
Una dintre cele mai faimoase tăieturi realizate vreodată este în 2001: Odiseea spațială, unde regizorul Stanley Kubrick taie de la o armă zburătoare la un satelit în spațiu. Într-o singură tăietură, el acoperă decalajul dintre omul primitiv și omul viitor, în timp ce sugerează că puțin s-a schimbat, dar setarea
Pasul 4. Folosiți unghiul unei camere pentru a indica relațiile și sentimentele de caracter
Unghiul fotografiei vă spune publicului cum să se simtă despre personaje sau scene. Puteți utiliza acest fapt în moduri nesfârșite și ar trebui să vă întrebați întotdeauna cum unghiul camerei dvs. ajută sau împiedică punctul de fotografiere. De exemplu:
- Privirea în jos a unui personaj îi face să pară slabi, temători sau neputincioși. Privirea în sus face ca cineva să pară puternic, încrezător și dominant.
- Unghiurile extreme, cum ar fi fotografiile foarte mari, foarte joase sau cu titlu, arată confuzie, frică sau experiență în afara peretelui, precum o călătorie cu droguri.
Pasul 5. Încercați să scrieți scena ca proză dacă vă luptați să începeți
Așezați-vă și începeți scena, făcând alegeri dificile, cum ar fi unghiul camerei și compoziția, este greu dacă nu sunteți sigur în ce direcție doriți să luați lucrurile. Un bun pas intermediar este acela de a scrie scena ca o nuvelă. Ce părți apar la fel de importante, ce detalii ies în evidență în timp ce scrii și care sunt acțiunile cheie din fiecare fotografie? Apoi puteți edita acest mini-script ca o cursă practică înainte de a desena.
Respectați doar 1-2 descrieri pentru fiecare fotografie sau scenă. Nu scrii un roman, ci scrii un ghid
Pasul 6. Studiați cinematografia
Storyboard-urile sunt, în esență, fotografii practice ale unui film. Ca atare, obiectivul lor este de a folosi plăcile pentru a configura lumini, camere și seturi reale pentru a imita imaginea pe care ați desenat-o. Scufundarea profundă în tipurile de fotografii, compoziția culorilor, unghiurile camerei și multe altele va crește foarte mult setul de instrumente ca creator de story board.
Desenarea unui storyboard este ieftin, dar fotografierea nu. Dacă lucrați la un film mai mare, trebuie să cunoașteți dificultatea dură a fotografiilor pentru a afla dacă sunt fezabile. Imaginile înalte pot arăta uimitoare și se potrivesc filmului, dar filmarea cu elicopterul este foarte scumpă
Metoda 3 din 3: Storyboarding ca un profesionist
Pasul 1. Aflați terminologia unghiurilor comune ale camerei
Nu vă bazați doar pe desen pentru a vă înțelege - lumea filmului este plină de vocabular care vă face munca mai ușoară și scenariile dvs. mai precise. Scrierea unghiurilor camerei ajută echipele de camere să vadă rapid pentru ce fotografii trebuie să se pregătească și vă permite să vedeți dacă sunteți repetat din greșeală cu alegerea dvs. de fotografiere.
-
Stabilirea fotografiilor:
Fotografii rapide care ilustrează setul, locația sau poziția de pornire a personajelor.
-
Complet, mediu, închis, extrem închis:
Dacă arăți un personaj, cât de mult arăți? Full (FS) arată întregul corp, Medium (MS) arată talia în sus, Close (CU) prezintă umerii și capul, iar pantofii Extreme Close Up (ECU) doar cu fața.
-
În sus / în jos:
Up Shots se uită la un personaj, în timp ce Down Shots se uită de sus. „Ochi de vierme” și „Ochi de pasăre” sunt versiunile extreme ale fiecăruia.
-
Peste umăr (OTS):
Unul dintre cei mai importanți termeni ai tăi, aceste fotografii au o persoană sau un lucru pe partea laterală a cadrului, întoarsă înapoi, în timp ce se uită la alta. Foarte frecvent în conversațiile dintre două persoane.
-
Două lovituri:
Când ambele personaje, de obicei vorbesc între ele, sunt ambele în cadru simultan. Când trageți dialog, două fotografii alternează adesea cu fotografii OTS.
- POV Shots Sunt pur și simplu atunci când camera imită punctul de vedere al unui personaj.
Pasul 2. Familiarizați-vă cu mișcările camerei pentru a ilustra fotografiile în mișcare sau schimbarea
Următoarea listă nu este în niciun caz exhaustivă, dar este un bun manual pentru scrierea unor scenarii coerente. Ori de câte ori doriți să adăugați una, scrieți mișcarea reală a camerei pe storyboard.
- Urmărire este atunci când camera urmărește acțiunea fără tăiere, cum ar fi urmărirea pe cineva în timp ce merge pe stradă. Folosiți săgețile pentru a indica mișcarea și mai multe cadre, dacă este necesar.
- Tigaie sunt atunci când camera se rotește pur și simplu într-o direcție, urmând adesea un personaj în timp ce se mișcă sau expune ceva în apropierea lor. Desenați o săgeată care ilustrează direcția camerei.
- Camioane sunt atunci când camera se mișcă fizic în interior sau în exterior. Imaginați-vă o fotografie dintr-un televizor, apoi aparatul de fotografiat se „întoarce” încet pentru a dezvălui o familie care se uită la televizor în sufragerie. Utilizați 4 linii, îndreptate de la centrul ecranului spre colțuri, pentru a arăta camionajul.
- Rack Focus atunci când aveți un obiect neclar în fundal și unul clar în prim-plan, atunci focalizarea se deplasează de la unul la altul (poate merge și invers). Desenați o linie care să indice unde începe focalizarea și unde se deplasează.
Pasul 3. Faceți note corespunzătoare despre tranzițiile între fotografii
Următoarele tăieturi sunt unele dintre cele mai frecvente în film și trebuie menționate în storyboard. Fiecare necesită un mic desen alături de cuvinte, reprezentând vizual tranziția. Începeți cu un dreptunghi mic, care reprezintă ecranul, chiar înainte de dialog, apoi completați acest dreptunghi cu tranziția:
-
Fade In / Fade Out:
Aceasta este pur și simplu atunci când imaginea apare sau dispare încet de pe un ecran gol. Pentru o decolorare, desenați un triunghi îndreptat spre stânga. Pentru o decolorare, desenați un triunghi îndreptat spre dreapta.
-
Dizolvarea încrucișată:
Când o imagine se estompează încet în următoarea. Pentru a-l desena, faceți două triunghiuri care se intersectează în cutie, începând de la toate cele patru colțuri. Este decolorarea și decolorarea în desene suprapuse unele pe altele.
-
Sterge:
Când o imagine se deplasează fizic pe ecran, dezvăluind următoarea fotografie sub ea. Pur și simplu trageți o linie verticală în centrul dreptunghiului și o săgeată care trece prin el pentru a indica în ce direcție se mișcă prima imagine.
Pasul 4. Amintiți-vă instrucțiunile de blocare de bază pentru a vă ajuta să setați scena și actorii
Următorii termeni se referă la locul unui obiect în fotografie. De asemenea, poate ajuta la direcționarea mișcării, cum ar fi dacă un personaj merge de la partea din spate a împușcăturii în față, care ar putea fi exprimat ca „BG → FG”.
-
Prim plan (FG):
Zona se apropie de cameră.
-
Midground (MG):
Centrul cadrului
-
Fundal (BG):
Cele mai îndepărtate de cameră.
-
În afara ecranului (O / S):
Util dacă există un zgomot, dialog etc. pe care spectatorii nu îl pot vedea sau dacă un personaj intră sau iese complet din cadru.
-
Suprapunere (OL):
Când un obiect sau imagine este suprapus peste altul, dar ambele sunt vizibile.
Pasul 5. Etichetați-vă corect fotografiile, astfel încât restul echipajului să le poată citi
În general, o „scenă” de pe un storyboard se referă de fapt la o mișcare neîntreruptă a camerei, nu la un eveniment complet. Aceste scene sunt adăugate împreună pentru a forma o „secvență”, care este întreaga acțiune, conversație, pe care o portretizați (ceea ce numiți în mod normal o „scenă”).
- Ori de câte ori aparatul foto taie, trebuie să schimbați numărul scenei pentru a indica o nouă fotografie.
-
Dacă o singură scenă necesită mai multe acțiuni, toate fără a schimba camera, acestea sunt etichetate ca panouri.
Dacă o singură fotografie necesită trei scenarii, veți eticheta fiecare panou ca 1/3, 2/3 și 3/3.
Pasul 6. Urmăriți claritatea, nu simbolurile sau vocabularul perfect, dacă sunteți confuz
Scopul final al unui storyboard este să spui vizual filmul, nu să treci un test de vocabular. Deși ar trebui să te străduiești întotdeauna să înveți terminologia, vrei ca scenariile să fie ușor citite de regizori, cinematografi și restul echipajului. Dacă aveți o idee, dar nu știți cum să o exprimați, folosiți-vă abilitățile de desen pentru a transmite punctul cât mai simplu posibil. Săgețile, notele și mai multe panouri ar trebui folosite pentru a împărtăși ideile dvs. creative atunci când cuvintele nu sunt suficiente.
- Imaginați-vă o fotografie lungă, singulară, ca începutul Raging Bull. Deși nu există nicio tăietură, nu ați putea conține niciodată acea fotografie într-un singur panou. Ar trebui să înșirați multe panouri împreună cu săgeți, note și dialog pentru a planifica fotografierea.
- Listele de vocabulare de mai sus sunt departe de a fi complete - există sute de cuvinte, fotografii și indicii pe care le folosește un storyboarder profesionist. Pentru a fi un profesionist, ar trebui să continuați să căutați termeni profesioniști.
Video - Prin utilizarea acestui serviciu, unele informații pot fi partajate cu YouTube
sfaturi
- Dacă vă ajută, puteți plia o bucată de hârtie în 6 pătrate, pentru a vă încadra scenele cu ușurință sau pentru a descărca un șablon de storyboard gratuit de pe internet.
- Software-ul Storyboarding are adesea o bază de date pentru a vă ajuta să țineți evidența informațiilor despre script, recuzită, locații, direcții ale camerei etc.
- Țineți cont de publicul dvs. în timp ce faceți storyboarding. Gândește-te că vor să vadă, nu ce vrei să desenezi.
- Nu este nevoie să desenați fiecare cadru perfect - o schiță brută este complet bună.
